傳統的教學，它的價值是什麼？
以樂器教學為中心，強調技藝的精進、高超和練習的固定與規律。
這並沒有什麼不對，而且也是一個在過去社會中很讓人珍惜的一種價值。
但是漸漸隨著社會風氣的轉變，
像這樣的價值卻已經變成專業領域人士的困境，
我們努力維持傳統，卻不敵普羅大眾在生活當中的另外一種需求。
到底應該怎麼做？才能讓專業領域人士突破困境，
又能讓大眾業餘愛好者得到他們所希望得到的價值與提升？
教學的困境其實和表演藝術的困境是相同的路線，
只是一個在先一個在後。
它就像是一個命運共同體一樣串聯在一起，
沒有業餘愛好者，但是卻希望有更多通往更高境界的藝術欣賞者，
這無疑是緣木求魚。
所以在基層的教學一定要基礎穩固，才能創造文化藝術產業的最高價值。
先談談之前所提到目前的教學困境，到底要如何面對？
怪現在的父母親溺愛？學生學習力低落、不抗壓？
怪大家為什麼不懂得自我提升，從小投資小朋友學習藝術的品味？
在我看來都不只是這樣。
很明顯是雙方對於這種藝術的價值，認知差距過大！
所以專業領域人士一定要有更新的視野，才能告訴大家：你們為什麼一定要學！
好的東西、好的價值人人都愛，問題不是東西不好，
而是我們有專業和責任要告訴大家~它，到底好在哪裡！？
不想讓自己有新的視野，掩耳盜鈴的結果最後只能黯然退場。
就從基層的教學改變起吧！
運用現有的教材 在教學上：“要學生回家多練習→上課找出問題→修正”，
這樣的模式，可以想像會讓老師在教學課堂上疲於奔命，
因為除了教學的本身，還有學生的態度問題。
不耐的學生當然態度會很糟，這是可以想見的，
令人訝異的是他們並不是不喜歡音樂藝術，而是不耐像這樣傳統的教學方式。
教學方式只有一種？
也就是說每一個學生如果想要學樂器，都只能被迫接受傳統的方式學習？
不喜歡或是不能接受的，就請自動覺醒？
這樣一來，怎麼可能培養出給多的愛樂人口？
教學的視野應該要換個角度了吧！？
經過了一段長期的教學研究與觀察，
我們終於開始籌畫以一種新的觀念為中心的教學素材。
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首先，在教學上我們應該要思考的是：
我們所教育的學生，他們在經過一段時間的學習之後，未來需要的是什麼？
所以我們提出幾個重要的學習面向：
觀察力，感覺力，創造力與風格力~
這是在未來學習音樂，必須要培養的重要價值。
要如何培養這些能力？傳統的教學方式幾乎是達不到像這樣的目標！
因此經過我們長久的教學研究與觀察，列出了幾項的重要原則：
★ 音樂要從感覺開始
★ 感覺要與各種不同的認知產生聯繫
★ 發展自我肢體的感受力與控制力
★ 避免過早及過多的機械性練習
★ 有效的學習視譜
★ 節拍、速度、音樂風格，以及整體音樂的內化與發自內心的感動
★ 創造力與個人風格的開發
首先：
★音樂從感覺開始：
如果學習音樂從動作開始，並且只單獨強調動作的訓練，
例如姿勢、強迫記譜、固定而且機械式的練習，就會讓各種感覺逐漸關閉。
如果音樂要悅耳動聽，就要先學習聽到悅耳的聲音、能分辨悅耳的聲音，
現在不需要品味，不需要創造力的事情，都可以由機器來取代，
所以機器能做出來的事情，不需要未來的主人翁代勞。
★感覺要與各種不同的認知或情感產生聯繫：
將音高、旋律、節奏、速度、音量，甚至聲音的品質……等等音樂基本要素。
與自然相連結，與生活相連結，與情感相連結，與智能相連結，
這樣才能打開各種感官，增進感覺力。
為什麼要增進感覺力？
缺乏感覺力的人通常不容易察覺自己的情緒，更進一步的是不會適當地抒發。
像這種情形長期的累積下來，很容易造成精神情緒的障礙，
所以缺乏感覺力，最後連生活都會出現不協調的狀態。
像這樣，跟傳統的壓抑式教育是脫離不了關係的！
如果藝術的學習不是要學更精細敏銳的感覺、更高的品味、內化的文化修養，進而修身養性……
那麼學這門藝術的意義是什麼？
★發展自我肢體的感受力與控制力：
音樂是各種學科學習中，少數要求做到線性控制力的一個領域。
所謂線性控制力，就是在時間的脈絡當中，可以不中斷、不重複地持續執行著內容，
這樣的訓練不只是在音樂表演的時候，即使在上課中也要不斷地關注著這件事情。
像這種控制力的培養過程，需要對自我的肢體、心理狀況，有良好的掌握能力。
例如要求學生的演奏不間斷，
如果只是不斷要學生用片段的重複練習，以追求肢體機械式的熟練度讓音樂不中斷，
這樣是達不到真正的效果，反而會阻礙線性控制力的訓練。
★避免過早及過多的機械性練習：
這點一定有許多老師質疑，不練習怎麼學？
當然要練習，只是在練習的方式上應該要再做調整。
以是不是每天練習？每次有多少分鐘的練習來量化音樂的學習，本身就是一種機械式的訓練。
音樂的訓練要以感覺和品味為出發點，
練習雖然是一個過程，但是並不是學習音樂的總成績，
在學習過程中體會到的感動和用心的執行方式，才是音樂學習的精髓。
音樂要能感動人才是好音樂，機械式的訓練和練習無法突顯音樂的價值，
音樂內涵的博大精深，不是在起點就要讓人感覺高不可攀。
機械式的訓練，只是讓學生提早僵化而已，
在教學上最鮮明的例子就是：看到指法寫2就迫不及待按下Re，這就是沒有好的觀察力。
僵化就是導致把每一種感覺都關起來，結果如何？
連最基本的觀察力都無法發揮，還談什麼美感、鑑賞和品味呢？
★有效的學習視譜
視譜不只是認出音名然後在鍵盤上找音，對樂譜的認識其實是包括了：
1.空間、方向、距離的觀念，眼睛和手能夠持續跟著變化的音符隨時保持高度的注意力
2.循序觀察，循序操作的控制力，讓音樂並不隨著樂譜上任何的變化而中斷
3.邏輯的分類分析，包括音型、和絃的形狀….
.這些並不是認不認識音高的問題， 其實是跟我們的視覺，圖形的辨識能力有很大的相關性。
我們一般會以為節奏、拍子也屬於讀譜的能力，
其實對於新的學習者而言，節奏拍子是感受力與控制力的問題：
一拍為什麼是一拍？休止符為什麼不能出聲？
在初階的學習者身上，我們很容易發現他們經常會忽略休止符的存在。
當下對於時間的感受是什麼？要怎麼正確將時間的數值在移動的時空中傳達出來，
是一種感受力與肌肉控制力體驗的最細微體現。
★節拍、速度、音樂風格，以及整體音樂的內化與發自內心的感動
學習要在一開始就進入整體的音樂情境，
而不是只陷入在一種“有沒有彈錯？”的迷思當中。
演奏的正確性固然重要，
但是整體音樂所呈現的完整性與美感，背後卻有著更深層意義的文化內涵。
精確的節奏、正確的速度、整齊劃一而又安全的詮釋風格，
是不是就能代表這正是最完美的音樂？
如果上述就能代表最完美的演奏，我們只是能讚嘆地說：
「原來真人也能彈奏得如此完美啊？」
是跟誰做比較？是完美的演奏錄音？還是作曲家樂念的忠實呈現？
誰能證明這就是真正的完美？最貼近作曲家樂念的演出？
這種關於美學的評論是沒有任何標準答案的。
所以演奏詮釋的正確性與否，就變成了要辨識是不是完美演出的最重要指標。
那麼在音樂能不能感動人的最基本功能，在這些制式化的檢驗標準之下，
就變得模糊不清~
因為太僵化的藝術鑑定標準作業流程，難免會讓人有“國王的新衣”的聯想。
音樂的內涵並不只在於它的演奏絕對精確性，
而是在於一種美感和文化體會的深度。
★創造力與個人風格的開發
創造力的開發，不單單只是靠突發奇想去做些什麼事，
而是要自然而然從內心啟動對事物的熱情開始。
沒有熱情，就絕對不會有創造力！
創造力當然是要靠源源不絕的創意發想，而後去執行它才能實現創意，
所以希望，只有從教育開始！
在上面提到教學新視野的最後也是最重要的關鍵，就是個人風格力的展現。
沒有個人風格的齊頭式教育，絕對教導不出未來時代優秀的人才！
個人風格並不是我行我素，高興怎麼樣就怎麼樣也不管別人的想法和眼光就可以，
而是一個“人”最重要的價值。
不管今天這個人的地位如何？從事什麼樣的工作？是什麼樣的家庭背景和學歷？
一個人如果對自己的價值不清楚，就不會有正確的人生方向！
“風格力”正是認清自己和知道如何發展自己的最重要元素。
以上的幾項重要的觀念，
在暑假即將新出版的鋼琴初學教材裡都可以預見。
我們非常需要從新的視野、新的觀念開始，好好思考如何教育音樂與藝術？
這是一個不同於學校教育，不同於傳統教學的方法
這個時代潮流幾乎是無法抵擋的，
我們已經準備好要迎接一場前所未見的教學大革命！！
2010/7
